Curso de acuarela

Curso de acuarela

Pintura a la acuarela

“La creatividad es la inteligencia divirtiéndose»

 

                     Albert Einstein

 

La técnica de la acuarela es una de las más sutiles y mágicas del Arte. Si estás pensando en regalarte un curso de acuarela, este es tu taller perfecto. El equipo básico de trabajo es sencillo, y tiene muchos beneficios: no huele, no pesa, y seca rápido. Es ideal para pintar al aire libre, y realizar tu cuaderno de viaje personal. 

Caja de acuarelas

Fundamentos de la técnica de acuarela

La técnica de acuarela se basa en la transparencia del color. Las luces son el blanco del papel, y eso significa que donde hay claridad, no se debe aplicar el color opaco. Jugamos con el color diluido en agua, y con este método tendremos gamas tonales del mismo color. Si quieres conocer la historia de la acuarela.  tenemos otro post)

Este método de trabajo obliga a visualizar nuestra obra artística antes de comenzar a introducir color. Una vez iniciado, si metemos la pata no habrá vuelta atrás (bueno, algún truco sí que hay).

La elección de los materiales

Hay que prestar mucha atención a la hora de escoger buenos materiales, pues el trabajo artístico será mucho más gratificante. Es importante la elección del papel, que tenga buena capacidad de absorción de agua. Los pinceles también son importantes, porque los que son de pelo natural, suave, tienen la capacidad de retener mayor cantidad de aguada de color dentro de ellos. Cuando aplicamos una pincelada larga, el color se va soltando poco a poco, y los efectos que conseguiremos serán muy interesantes.

Y cómo no, buenas acuarelas. La calidad de las acuarelas vienen definidas por la pureza de los pigmentos. Los colores son más estables a la luz, presentan sus matices bien saturados, y están finamente molidos. Un pigmento bien molido evita que aparezcan grumos de color en nuestra pintura con acuarela.

¿Qué beneficios te aportará apuntarte a nuestro curso de acuarela?

En el post dedicado a los beneficios del arte os contamos cómo la práctica artística ayuda a organizar nuestra mente. Esto es especialmente significativo en el caso de la técnica de acuarela. Antes hemos mencionado que hay la forma de abordar una acuarela obliga a visualizar la obra antes de ir a por el objetivo. Qué mejor metáfora de lo que significa esta disposición reflexiva: no lanzarse a lo loco. Jugando, sí, pero con la responsabilidad de no cargarnos nuestro trabajo artístico.

Los talleres de acuarela son un espacio para la relajación y la reflexión. Dejar que el color fluya sobre el papel es una experiencia gratificante y placentera. Si no sale una buena obra, siempre aprendemos. La mejor lección que aporta la acuarela a nuestra vida es dejar un espacio al azar. Permitir que las cosas ocurran, y dejarnos sorprender.

¡Apúntate a nuestro curso de acuarela!

 

HISTORIA DE LA PINTURA A LA ACUARELA

HISTORIA DE LA PINTURA A LA ACUARELA

Acuarelas

En la pintura con acuarela hay una poética de lo sutil. Lo sencillo se muestra desnudo, sin tapujos, y no se puede hacer trampa, porque no admite corrección. Un trabajo artístico con acuarela requiere ante todo la visualización de la obra antes de afrontarla. Las luces corresponden al blanco del papel, y por lo tanto las zonas iluminadas apenas son tratadas. Unas aguadas ligeras de color, entonan y crean atmósfera. La simplicidad de materiales y equipo la hacen atractiva, pero a la vez nos obliga a confrontarnos con el azar. Como dice una amiga nuestra, la acuarela es un mundo de encuentros y desencuentros.

Durante siglos, los pintores han utilizado como medio pictórico aglutinantes solubles en agua. Esta técnica hidrosoluble se conoce como temple, y ha sido empleado con gran asiduidad desde las antiguas civilizaciones. Para ello han usado soportes como madera, revestimientos murales, etc. Nosotras nos vamos a centrar en la técnica al temple exclusivamente sobre papel. Los artistas chinos más antiguos utilizaban pinceles de pelo suave para trabajar sobre la seda y el papel de arroz. Estas superficies son tan absorbentes, que exigían el uso de capas muy delicadas, casi transparentes. Con tan solo unas pinceladas muy ligeras, eran capaces de capturar el clima y la atmósfera del espacio de sus paisajes.

En Occidente tenemos nuestros más antiguos vestigios en la época medieval, con los iluminadores de manuscritos. Algunos trabajos combinaban técnicas más opacas, tipo témpera o gouache. Alberto Durero, el gran artista alemán que vivió entre 1471 y 1528, usó la acuarela con mucha frecuencia, al igual que hicieron los ilustradores de botánica del siglo XVI y los pintores florales holandeses del siglo XVII.

Acuarela Thomas Girtin
Cielo Turner

El medio específico  que se conoce actualmente  con el nombre de acuarela, podría decirse que surgió y tuvo su florecimiento en la Escuela Inglesa de la segunda mitad del S.XVIII y primera mitad del S.XIX. Durante este período de tiempo, relativamente corto, una serie de pintores destacados comenzaron a dedicarse a la acuarela.  El creciente interés por una pintura del paisaje culminó con el trabajo de John Constable (1776-1837), precursor del impresionismo. Hasta su aparición, el paisaje no dejaba de ser un aspecto puramente topográfico que reflejaba con todo detalle las características de un territorio concreto. En manos de artistas como Paul Sandy, Thomas Girtin, Francis Towne, John Sell Cotman y Peter de Wint llegó a ser mucho más que todo eso; la acuarela fue explotada artísticamente al máximo y obtuvo todo el reconocimiento que se le debía.

La mayoría de estos artistas pintaron exclusivamente con acuarela, pues consideraban que se trataba del medio perfecto para crear el efecto atmosférico de luz que tanto buscaban. John Constable utilizaba la acuarela principalmente para los bocetos de los cielos. El más grande de todos los acuarelistas, William Turner, alcanzó su fama como pintor al óleo, pero fue su producción de acuarelas la que contenía la mayor profundidad y riqueza. Sin ninguna inhibición hacia las reglas de la composición, explotó efectos accidentales como los destellos más arriesgados o huellas de enorme calado hasta convertirlos en una mágica ilustración de luz y color como nunca antes había visto la historia de la pintura.

Durante el S.XIX continuó el desarrollo de las técnicas pictóricas de la acuarela, que alcanzaron mayor variedad. El poeta y artista William Blake (1757-1827) creó su propio método para dar forma a su visión poética de la acuarela. Igual hizo su discípulo Samuel Palmer, que utilizó torbellinos y bloques de colores opacos en sus paisajes visionarios y simbólicos. Con el final de las Guerras Napoleónicas en 1815, la posibilidad de viajar a otros lugares fue cada vez mayor. De este modo, la tradición topográfica alcanzó nuevas cumbres con el trabajo de artistas como Samuel Prout. Este extraordinario autor de bocetos y cuadernos de viaje, era experto en retratar edificios y paisajes de la Europa oriental. Un poco más lejos viajó Frederick Lewis, con sus brillantes estudios de paisajes de Oriente Medio. Richard Parkes Bonington promovió nuevas técnicas, como las de las capas arrastradas para paisajes y personajes. Fue su gran amigo francés, Eugène Delacroix el que llevó esta técnica a nuevos terrenos mucho más sofisticados.
William Blake
Cielos de acuarela

La tradicional técnica “transparente” de la pintura a la acuarela implica la superposición de lavados finos de colores velados. Se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados o capas, el tono y el color se hacen más profundos, ya que se absorbe más luz y se refleja menos. La acuarela es soluble en agua, y una vez seca sigue siéndolo en menor grado. Por este motivo el color puede ser modificado de diversas maneras:  añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas, trapos o servilletas de papel.

La acuarela es muy versátil y resulta un medio tan permanente como el que más, siempre que sea de pigmentos de alta calidad y se use papel libre de ácidos. Los métodos opacos de acuarela, para los cuales se usa gouache, dependen del pigmento blanco para crear los toques de luz y los tonos pálidos.

Como restauradoras que somos, es inevitable hablar sobre la conservación de las obras de acuarela. El factor enemigo para su estabilidad es la luz directa, que altera las cualidades cromáticas de la obra, y oxida la celulosa contenida en el papel.

Taller de grabado calcográfico

Taller de grabado calcográfico

Grabado calcográfico

El grabado calcográfico es uno de los procedimientos artísticos más íntimamente ligados a la técnica del dibujo. Permite la reproducción de un número ilimitado de copias a partir de una matriz o plancha. El grabado supuso durante siglos el medio de difusión cultural más importante de la humanidad. Su papel fue esencial en el desarrollo de la cultura.

Tipos de impresión

Existen cuatro tipos de impresión, que definen las variantes del grabado: en relieve, en hueco, planográfica y serigráfica.

tallar linoleo

Xilografía

La xilografía (de xilo: madera, en griego) es la técnica más antigua, y se basa en la impresión en relieve. Se basa en la incisión de la plancha con una gubia o elemento punzante, y el resultado es la estampación de la parte no tallada. La xilografía  es la técnica reina que se conocía en China ya desde el siglo VI . En Europa se desarrolló en los talleres de pintores y tallistas, y contribuyó a la difusión del conocimiento científico y técnico gracias a la producción seriada de imágenes. Se grabaron ilustraciones botánicas, arquitectónicas y de planos del mundo de la ingeniería. El mismo procedimiento empleado en la xilografía se usa en el grabado con linóleo o en el grabado en escayola.

Punta seca

A finales del S.XV la xilografía declina y es sustituida por planchas de bronce y de cobre. La superficie blanda y pulimentada del metal es grabada con la punta cortante del buril metálico y sus huecos entintados, en oposición a la xilografía, en la que se entintan los relieves. La maleabilidad del cobre permitía trazar detalles pequeños y producir tramas con líneas finas paralelas con el fin de obtener gradaciones tonales de diferente intensidad. La punta seca se caracteriza por la sutileza de sus trazos, es decir, por la escasa profundidad de sus incisiones. Deja a ambos lados de las líneas unas rebabas de metal levantado muy peculiares, que le proporcionan un aspecto muy especial. Como las incisiones de la punta seca son poco profundas, el número de estampaciones que puede lograrse con ellas es escaso. El motivo es que las líneas se van perdiendo poco a poco según estampamos copias, y desaparecen también las rebabas características.

 

Entre el artista y el grabado final solía interponerse muchas veces un intermediario: el técnico grabador. Con su punzón copiaba la imagen original del artista, tallándola sobre la plancha de impresión. De este modo el trabajo se dividía entre el artista y el ejecutante. Esta nueva división del trabajo desarrolló los talleres de los maestros, que tenían ayudantes especializados en fondos, cielos, pliegues de ropajes. Este colectivismo del proceso de producción se tradujo en una mayor productividad y en una mayor densificación icónica.

Aguafuerte

A finales del S.XVI apareció en el taller de los armeros el aguafuerte. Esta técnica de grabado se obtiene tratando las partes de la plancha de cobre no protegidas por un barniz previo. Más adelante se comenzó a utilizar la plancha de zinc por su mayor resistencia al baño en ácido nítrico que es necesario emplear en esta técnica. La mayor dureza favorece hacer tiradas de más ejemplares. Rembrandt (1.606-1.669) se revelaría como uno de los grandes artistas del aguafuerte.

grabados aves

Con estas técnicas se diversificaron las potencialidades estéticas y los estilos de las imágenes impresas. La Revolución Industrial aportó la mecanización de las técnicas de impresión, accionadas por la máquina de vapor. Con ello se incrementó  espectacularmente la magnitud de las tiradas de los textos e imágenes impresas. El ferrocarril se encargó de su veloz y extensa difusión, aportando la base de la densificación icónica de la sociedad. Ello supuso una cierta desacralización de la imagen, que empezó a convertirse en un objeto cada vez más asequible, familiar y cotidiano.

 

cartel la Boheme

Litografía

La litografía fue otra innovación técnica que contribuyó a la expansión y la diversificación icónica en el siglo XIX. Su inventor fue Aloys Senefelder entre los años 1.796-97, con el objetivo de imprimir sus partituras musicales. La litografía (del griego lithos: piedra) usaba como plancha de impresión una piedra caliza humedecida. Para trazar las líneas empleaba una tinta grasa compuesta por cera, jabón y negro de humo. Luego se cubría con tinta de imprimir, que sólo embebía aquellas partes engrasadas. El lápiz graso, de trazo más grueso y tonalidad más cálida que el buril, aportó mayor emotividad a las imágenes impresas. La litografía ofreció al artista la posibilidad de dibujar directamente con lápiz graso sobre la piedra caliza. De este modo evitaba su dependencia del grabador. Permitía además la impresión de colores (cromolitografía). Gracias a la litografía se desarrolló la industria y el arte del cartel, además de potenciar considerablemente el libro y la prensa ilustrada. En la litografía también estuvo el origen de las primeras experiencias fotográficas de Niepce.

Son muchos artistas cultivaron la litografía: Ingres, Gericault, Delacroix, Millet, Corot, Manet y Degas. La facilidad técnica de la producción litográfica alentó la práctica amateur de este medio de impresión, contribuyendo a democratizar la producción de imágenes. Entre sus cultivadores figuró también Goya, quien realizó una extraordinaria serie sobre temas taurinos. Goya cultivó también la aguatinta, una técnica derivada del aguafuerte. La plancha se cubre con resina y se calienta, quedando adherida formando gránulos o puntos. Luego se dibuja sobre la plancha con un pincel mojado en una tinta especial (aguatinta) la imagen que se quiere reproducir. El posterior baño de aguafuerte actúa sobre la superficie tratada. Con esta técnica ejecutó Goya sus famosos Caprichos.

Xilografía

La xilografía tuvo un nuevo renacer en el siglo XIX, gracias al británico Thomas Bewick, quien la perfeccionó con el uso de maderas tan duras como el boj. La prensa ilustrada favoreció la profusión de la maravillosa obra de autores como Honoré Daumier, con sus sátiras sobre la sociedad. Gustave Doré, quien ilustró grandes obras como el Quijote, la Divina Comedia, la Biblia, etc.

xilografia Gustave Dore
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En este monográfico de Grabado Calcográfico para adultos, los alumnos descubrirán la técnica de la «Punta Seca» sobre plancha de metal de una manera práctica.

¿En qué consiste el taller?

  • Breve introducción a la técnica de la «Punta Seca». Visionado de diapositivas con algunos conceptos teóricos sobre el grabado.
  • Preparación del papel de impresión
  • Elaboración de un boceto con lápiz sobre papel.
  • Repaso del dibujo sobre una plancha de plancha de cobre.
  • Elaboración del trabajo de punta seca con punzón.
  • Entintado con tinta de grabado calcográfico Charbonell.
  • Limpieza de plancha con tarlatana.
  • Colocación de la plancha en el tórculo para imprimir.

 

Sesión única: Viernes 18 de Diciembre de 17: 30  a 19:30 h.

Se recomienda tener pensado el boceto o idea que se quiere realizar

Todo el material está incluido.

Grupos reducidos.

Precio: 1 sesión 20 €

 

Más información escríbenos a

info@davincididactica.com

 

 

Para saber más de la técnica de la Punta Seca y del Grabado Calcográfico puedes visitar la Web de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

https://realacademiabellasartessanfernando.com/es/calcografia-nacional/historia

 

Técnicas de grabado infantil
actividades arte niños navidad
Medidas COVID19 en taller de arte

Medidas COVID19 en taller de arte

taller arte aire libre
Somos muchos los profesionales de la formación en Artes Plásticas que hemos reactivado nuestra actividad, que nos hemos preguntado cómo garantizar que nuestros talleres sean un espacio seguro. Lógicamente los niños tienen que  manipular y experimentar con la materia,
pero siempre tomando unas precauciones. ¿Cómo hacemos en Creativiteka?
En nuestro local es más sencillo, puesto que nos ha bastado con reducir el aforo a la actividad presencial, para que haya 1,50 m entre caballete y caballete. Además del uso de la mascarilla, gel hidroalcohólico y alfombra de desinfección en la entrada, nosotras hemos optado por descartar ciertos materiales de nuestra programación de este año.
En nuestro espacio aportamos nosotras todos los materiales, que en ningún caso pueden ser compartidos. Procedimientos como las ceras blandas, plastilina, barras de pastel, lápices y rotuladores… sólo los aportamos guardados en una pequeña bolsa transparente con el nombre del niño o niña, con su manipulación exclusiva. De todas formas, preferimos aplicar témpera líquida en platitos de plástico a modo de paleta, en la cual ellos mezclan sus colores; en este caso, sólo se les entrega un pincel, que es limpiado y desinfectado después de su uso al finalizar la sesión.
artes plasticas colegio

¿Cómo desarrollamos nuestras actividades en los centros educativos? Si en el centro fuera posible, nosotras recomendamos desarrollar la actividad con las ventanas abiertas, e incluso hacer la actividad en la intemperie, si la climatología lo permite. De este modo estamos haciendo en la Escuela Ideo. Cada sesión que damos fuera de un espacio cerrado es una garantía en estos tiempos de incertidumbre donde actuamos a pasos cortos pero seguros. En este cole estamos soltando grandes hules de plástico en el suelo, donde colocamos platitos con colores y cubiletes con agua. Trabajar en el suelo favorece una visión del trabajo artístico de manera muy global, más libre sin limitaciones de formato, y en estos tiempos de pandemia hemos comprobado que los alumnos se mueven menos de un sitio a otro, sin disminuir la distancia de seguridad.

Manos a la obra: Arte-Encuentro

Manos a la obra: Arte-Encuentro

El pasado mes de Marzo dedicamos nuestro Arte-Encuentro  a dibujar nuestra mano para ejercitar la percepción. Para quien no conozca nuestros talleres, hemos de mencionar que están dirigidos a personas que no han dibujado ni pintado nunca. Cuando les dijimos que tenían que dibujar su mano, se asustaron bastante, pensando que no iban a dar la talla, y que les iba a salir fatal. Como podéis comprobar en las fotos, ¡los resultados no están nada mal!
La primera parte del trabajo fue dibujar con una modalidad de la “ventana de Leonardo”, un marco con un acetato sobre el que perfilar los contornos de los dedos y los huecos que hay entre ellos; la palma de la mano hacia arriba y los dedos ligeramente flexionados. Dibujar los dedos en escorzo utilizando la ventana de Leonardo ayuda a reflexionar sobre los procesos de nuestra visión, cómo restablecemos relaciones y percibimos los espacios intermedios. Repasando con rotulador nos limitamos a marcar todo lo que estamos viendo, sin mover la cabeza y con un ojo guiñado. Mediante este sencillo ejercicio, nuestros alumnos entienden mejor el proceso mental de traducir tres dimensiones a dos, con visión pictórica. Este primer ejercicio lo calcaron a continuación sobre un folio, para poder analizarlo.

El segundo ejercicio, más comprometido, consistió en dibujar su mano utilizando el visor, con eje horizontal y vertical dibujado con rotulador indeleble. En esta ocasión  no se calcó nada, pero la premisa fue fijarse muy bien en los espacios negativos: huecos entre los dedos, distancias hasta el límite del plano, etc. El trabajo fue realizado con carboncillo, manchando previamente el papel, dibujando los contornos y luces con la goma de borrar. 

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